A prosposta do trabalho é analisar a série de TV americana “The Office”, que acompanha o cotidiano dos funcionários de um escritório, filial da ficcional empresa de papel “Dunder Mifflin”. Trata-se de um “sitcom”, mas de formato nada tradicional, não possui um estúdio, platéia ou risadas ao fundo. A série é toda filmada pela perspectiva de uma única câmera, tentando simular o formato de documentário, e dessa forma escapando do formato já saturado dos sitcoms americanos. Esse gênero humorístico se tornou conhecido como “Mockumentary”. Uma equipe de cinegrafistas diariamente registra o cotidiano dessas pessoas com um motivo ainda indeterminado. Embora seja uma ficção a presença da câmera é abertamente reconhecida pelos personagens, influenciando constantemente sobre o desenvolvimento das histórias, e logo acaba se tornando um dos “personagens” principais. A série utiliza-se de vários artifícios do gênero documentário (se aproveitando da noção convencionada como um gênero que tenta registrar a “realidade” ou a verdade dos fatos), apontando-o como mais um formato narrativo.
A favela em primeiro plano pelas lentes de Eduardo Coutinho
O trabalho destina-se a analisar a obra cinematográfica Santa Marta: Duas semanas no morro, de 1987. O filme, em formato documentário, apesar de ter sido realizado há mais de duas décadas, já coloca a favela como protagonista, lugar sempre escondido pelos cartões postais, mas cada vez mais evidenciado pelas mídias. Por que virar as câmeras pras favelas? Porque essas são tão atraentes ao olhar público? Tentaremos compreender o fenômeno de espetacularização das comunidades carentes do Rio de Janeiro, traçando um paralelo com o filme de Coutinho que usa de artifícios inovadores para a época para retratar o real, e dá voz aos personagens da favela. A favela Santa Marta se localiza no morro Dona Marta no bairro de Botafogo no Rio de Janeiro. Zona Sul do Rio, lugar de contrastes, temos duas sociedades que dividem o mesmo espaço físico, a cidade, mas são explicitamente divididas em dois lugares: o asfalto e a favela. A favela, foi escolhida mais tarde, para ser palco de um dos clipes de Michael Jackson, justamente por mostrar vistas privilegiadas da cidade e sintetizar nela, o problema de desigualdade social. Santa Marta. No filme de Eduardo Coutinho, os personagens do morro ganham voz, falam de absolutamente tudo que rodeia o mundo deles. Tráfico, violência e falta de oportunidades são assuntos em pauta, as entrevistas são permeadas por cenas do cotidiano da favela, sempre com o fundo musical de pagode ou samba, valorizando a cultura popular. É importante notar no filme, uma nova maneira de lidar com as câmeras. Elas não são mais escondidas, pelo contrário, são expostas ao olhar do espectador. Mostrar ‘como se faz’ é recurso para aproximar quem vê, se até os aparatos técnicos estão sendo mostrados, nada mais separa o espectador dos personagens. Temos os recursos do close, som e silêncio, planos abertos que vão se fechando, sempre para garantir a quem assiste, a sensação de realidade. É mostrado de forma clara ao espectador desde a primeira cena, como o filme foi produzido, quando ouvimos a voz de Coutinho explicando que foi fixado na favela, antes das filmagens, um cartaz convocando os moradores a prestarem seus depoimentos. É interessante notar que com esse recurso, Coutinho se aproxima do espectador, contando os bastidores do filme, e assim, lhe conferindo mais ares de real. Com o documentário Santa Marta, vira-se um refletor de luz para a favela. Não podemos definir com clareza se foi o primeiro documentário a abordar o tema, mas sem dúvida temos uma das primeiras obras que retratam o cotidiano do morro para o grande público em linguagem documentário, que se destina a mostrar o real.
Bibliografia: -JAGUARIBE, Beatriz – O choque do Real: Estética, Mídia e Cultura. 2007. -LINS, Consuelo – O documentário de Eduardo Coutinho: televisão, cinema, vídeo. 2004 -LINS, Consuelo – Filmar o Real – Sobre o documentário brasileiro contemporâneo. 2008
A proposta desse trabalho é desafiar nossa capacidade de produzir um determinado conteúdo de audiovisual que problematize, experimentalmente, as questões colocadas pela disciplina.
O roteiro e plano de produção são sugestões que podem ser alterados ou repensados de acordo com debate posterior
Roteiro básico do “documentário”
Construção de um fato social “Real”
a partir da criação de um personagem
Dois estudantes de Mídia estão fazendo pesquisa sobre a produção de valores simbólicos nos discursos dos vendedores de eletroeletrônicos de determinada loja de departamentos (BayMarket), quando um murmurinho chama a atenção de todos.
Enquanto os estudantes faziam registro de sua pesquisa com uma câmera de video, percebem que há um bate boca entre o segurança do shoping e um morador de rua incomum que mais tarde passa a ser identificado com Conselheiro Nabat (CN). Resolvem então registrar aquele fato para o trabalho de outra matéria (Programação de Realidade).
O objeto de desavença entre o segurança e CNé a necessidade desse fazer uso do banheiro público do shoping, coisa que é negada pelo segurança em função das condições de higiene deploráveis de CN.
Sendo impedido de fazer uso das instalações, CN sai pelo pórtico posterior do shoping e faz suas necessidades fisiológicas de costas para o shoping e de frente para a Baía de Guanabara.
Os dois estudantes entrevistam o segurança e CN para compor seus trabalhos e a entrevista com CN se torna um “documentário” sobre sua vida.
O “documentário” sobre CN será caracterizado por uma montagem com documentos de desaparecidos políticos da época do golpe militar onde se reconstrói a identidade e a história de um desaparecido que passa a ser encarnado por CN.
Roteiro do making off
A desconstrução do “Real” a partir da
“representação” de personagens reais.
Seqüências para “making off”:
lGravação de reunião do grupo de trabalho onde é avaliada a complexidade de produzir as condições de realismo necessárias para imprimir veracidade às cenas propostas para o Roteiro 1.
(dirigida no sentido de investigar possibilidades de intervenções no real cotidiano de modo que um determinado contexto produza o sentido desejado pelo diretor sem que os participantes do fato social tenham entendimento da intenção prévia deste)
lGravação da entrevista com o responsável administrativo do shoping quando do pedido de permissão para o registro de cenas doRoteiro 1.
(dirigida deliberadamente no sentido de que o responsável seja cúmplice do problema instalado pela presença de CN sem o conhecimento do segurança)
lGravação da entrevista com o gerente das Casas Bahia quando do pedido de autorização para o registrode cenas doRoteiro 1.
(dirigida no sentido de registrar a negociação de permissão e apoio ao projeto podendo se estender à participação do mesmo na cena principal do percurso de CN pelas dependências do shoping)
lGravação de entrevista com o segurança
(dirigida no sentido de capturar as reações reais do mesmo diante do tencionamento provocado por CN)
Gravação de cenas dos “efeitos especiais” e maquiagem para a caracterização do CN.
Gravação da pós produção e de algumas técnicas de edição utilizadas na construção dos “documentos” que darão substância à história e à identidade de CN.
Entrevistas e reuniões terão direcionamento no sentido de desconstruiraveracidade e naturalização da narrativa apresentada pelo Roteiro 1.
O Roteiro 2 compõe a seqüência de créditos após o final do que seria o documentário propriamente dito.
Os videogames hoje apresentam novas formas de linguagem hipermidiática, ou seja, narrativas complexas na modalidade de jogos, nas quais os usuários, aqui denominados interatores, inserem-se com o intuito de se divertir, mas além de se divertir, os videogames adquirem outro papel importante que por sinal não é por acaso: o de produzir o efeito do real. Os games tornaram-se em pouco tempo um ambiente em que diferentes formas de comunicação se apresentam de forma interativa, dando ao jogador a sensação de imersão nessas narrativas. Lançados conjuntamente com os novos modelos de consoles, produzidos pela Nintendo (Wii) Microsoft (X-Box 360) e Sony (Playstation 3), em suas narrativas hipermidiáticas, os games usam representações gráficas quase realistas, explorando a alta capacidade de processamento de dados desses consoles e principalmente muitos games fazem uso de histórias de filmes ou livros ou até acontecimentos históricos e tentam de certo modo induzir ao máximo o jogador a chocá-lo seja com a história, seja com os gráficos ou a jogabilidade como por exemplo um jogo no qual se passe na Segunda Guerra Mundial e o jogador possa usar um adereço que seja um controle em forma de arma. Claro que esse é um dos mil poucos exemplos que esse mundo repleto de criatividade e infinitas interpretações e representações pode desenvolver. Esta dissertação buscará compreender porque o uso das imagens em três dimensões, com aspecto realista, nos games de nova geração, atraem e favorecem o agenciamento dos interatores ao jogarem esses games. Espera-se compreender como o uso dessas imagens realistas causam uma aderência psíquica, que estimula ações do jogador, aprofundando a sensação de imersão em uma narrativa hipermidiática.Um dos traços mais evidentes das imagens, com reprodução realista, está na profundidade interativa que elas provocam, até o ponto do interator não se dar conta de que está diante de uma reprodução digital de um ambiente ou mesmo de uma imagem fotográfica ou cinematográfica do real. Que características semióticas essas imagens têm que as habilitam a produzir esse efeito comunicativo simulador de uma vivência real? Esta será uma das questões centrais desse estudo. A metodologia se processará pela análise de um corpus de games em que as imagens realistas atingem um grau de simulação acentuado, tendo em vista determinar o papel específico que elas desempenham no processo dinâmico do interator com o game. A partir dessa pesquisa, será possível encontrar em meio respostas positivas à busca por responder a questão apresentada anteriormente. Outro objetivo desse estudo será conseguir demonstrar, por meio de estudos teóricos, qual o papel dessa imagem realista, no campo da simulação virtual de espaços e realidades. E também diagnosticar que essas imagens têm efeito maior ou menor, dependendo do tipo de interator que as manipula. Concluindo o resumo, pode se afirmar que as imagens realistas nos videogames têm papel importante no fato de trazer para dentro do game o jogador que, por meio de controles, interage com essas imagens e adere à narrativa apresentada a ele, como se participasse dentro da imagem.
A EXPERIÊNCIA DO 3D SENDO VENDIDA COMO UM REAL THING: U2 3D – O FILME. POR QUE ASSISTIR À PELÍCULA É TÃO REAL QUANTO ESTAR NA PLATÉIA DE UMA DAS APRESENTAÇÕES DA BANDA, COMO PREGAM BONO E CIA NO DECORRER DE TODO O MAKING OFF? E MAIS: BONO – VOCALISTA DO GRUPO IRLANDÊS-, DECLARA QUE ASSISTIR AO LONGA É ATÉ MESMO MELHOR DO QUE IR AO CONCERTO, UMA VEZ QUE É UMA EXPERIÊNCIA DO “REAL” SEM O CAOS QUE ACOMPANHA CADA SHOW – HORAS DE FILA, AGLOMERAÇÃO ETC.
O trabalho é uma reflexão acerca do tema da imagem Fetiche- Mulheres Hiper-reais.
Pretendo fazer uma análise das fotografias do artista Brian Walker problematizando os seguintes pontos: 1) Novas produção de sentidos e valores através da estética do hiper-realismo 2) O universo onírico e a sociedade de consumo 3) As mulheres como objetos de desejo 4) O imaginário cyborg e a reconstrução do corpo.
O site do artista é: http://www.lickthesun.com
"welcome to the cheese factory where dreams are made and broken. "Viewing this work is the equivalent of a photographic excursion into the mind of a serial filler of funtime plastic-fantastic realities. Brian Walker is a world renowned digital artist, with a playfully kitsch postmodern view on the world at large. View them with a grain of salt in hand ready to rub into your own proverbial visual wound that he taketh pleasure in inflicting" H R Wienheimer
Estive analisando alguns documentários do Eduardo Coutinho e me interessei particularmente por dois - Edifício Master_2002 e Babilônia 2000_2001-, além, é claro, do Jogo de Cena (2007). Fazendo uso do Edifício Master eu abordaria a maneira que se dá a representação de vidas comuns e situações cotidianas pela ótica do diretor (seria algo como "a midiatização de uma realidade cotidiana"); já com Babilônia 2000, eu entraria mais no mérito da representação da favela "construída" sob as lentes de Coutinho.
A proposta é analisar, sob a perspectiva do curso, a linguagem de documentário em contraposição à ficção. Será abordado o realismo exposto, as sensações que são transmitidas e a questão da violência, da morbidez e das mazelas como características que conferem maior realismo à história que está sendo contada.
Documentários são marcantes porque costumam apresentar uma determinada realidade de maneira mais aproximada que a ficção.
As estratégias da ficção, por sua vez, para "convencer" o espectador de que a história contada pode se encaixar dentro do conceito de realidade, ou seja, que os acontecimentos podem realmente convencer e que qualquer pessoa pode passar pelas mesmas experiências dos personagens.
Análise do filme "Ônibus 174", documentário de José Padilha, de 2002, e o recente e ficcional "Última Parada, 174" de Bruno Barreto: duas versões da mesma história real e chocante.
O videclipe "A Minha Alma" da banda O Rappa fez-se notório no ano de 2000 por retratar o cotidiano violento a que uma favela pode estar sujeita. Com a retomada do cinema brasileiro, o premiado clipe da banda, dirigido por Kátia Lund, buscou sacudir os telespectadores para estes acordarem e se deparassem com a realidade com a qual convivemos.
E é sobre essa sacudida que este trabalho vai retratar. Permeado pelos textos estudados na disciplina Programação da Realidade, com um foco nos textos do livro 'O Choque do Real' de Beatriz Jaguaribe, com vistas a analisar a pretensão e recursos utilizados no videoclipe de"A Minha Alma" para criar a sensação do choque.
A escolha do filme “Tropa de Elite” para analise, se deu por conta do sentimento que tive na primeira vez que o assisti. Como muitos, assisti ao filme antes da sua estréia, em um dos milhões de DVD`s piratas espalhados pelo Brasil. Gostei muito do filme. E do BOPE. Esse sentimento de aprovação me trouxe a necessidade de estudar esse produto para descobrir os porquês. Comecei então revendo o filme. Revi, continuo gostando do filme e do BOPE.
Não tenho duvidas de que a minha opinião referente ao filme e ao BOPE se deve pelo olhar do narrador a qual fui guiada. O capitão Nascimeto, interpretado por Wagner Moura, conta a historia pelo olhar de um membro do Batalhao, um membro da Policia Especial. Fica difícil, por muitas vezes, olhar o lado do estudante consumidor, do traficante, da comunidade.
Ao contrario do que disse Arnaldo Bloch, não acho “Tropa de Elite” um filme fascista, não fui fascista ao me empolgar com os guerreiros do Batalhao de Operacoes Policiais Especias. Ao contrario de fascismo, Tropa proporciona a discurcao, o debate, a troca de idéias. Não apenas sobre a política de segurança publica, mas também, sobre humanidade, sobre educação, sobre espaço urbano, sobre pirataria, trafico e consumo de drogas.
Ao meu ver, “Tropa de Elite” se aproxima com o conceito de Estetica da Fome, criado por Glauber Rocha, onde ele descreve as ideologias do Cinema Novo contra a violência e a miséria, como forma de denuncias sociais para desmascarar a sociedade brasileira, pois não acho que as denuncias apresentadas pelo filme estejam sendo espetacularizadas, paternalista, para entreter. Acho que “Tropa de Elite” mostra para haver discussão, polemica, reflexão.
O cinema é representativo para a compreensão das transformações ocorridas nas maneiras de sentir, pensar e agir dos sujeitos com a consolidação das percepções modernas. E contemporaneamente, quando se discute a crise da modernidade e o advento de uma suposta pós-modernidade, o cinema ainda pode ser referência para reflexões acerca desta configuração de subjetividades e das atitudes em face deste novo contexto, considerando-se dois aspectos: a busca por um passado e o resgate da memória e o seu viés diametralmente oposto, a constante renovação do presente, num sentido de ruptura, excluindo assim todo um sentido histórico.
Um exemplo cinematográfico pode ilustrar este panorama: o filme Maria Antonieta (2006), de Sofia Coppola, é um exemplo da curiosa constatação de que em tempos de constante atualização do presente seja tão corrente as produções midiáticas que remetem a personagens ou fatos históricos, numa espécie de avalanche de memória. No entanto, não se trata apenas de um resgate de figuras importantes mas de novas formas de representá-las. Afinal, a nobre decaptada é humanizada e vitimizada pelas circunstâncias e não mais uma mera rainha fútil devoradora de brioches.
Nessa tentativa de aproximá-la do espectador vale desde uma trilha sonora jovial, ideal para uma personagem teenager até a fotografia que privilegia uma atmosfera colorida como balas, embora o filme tenha sido rodado na suntuosa e sisuda Versailles.
Afinal, qual o impacto dessa representação e a razão pela qual se faz necessária essa aproximação com o espectador, de forma a acreditarmos que ela seria como qualquer jovem contemporânea?
A estética da realidade nas novelas de Manoel Carlos
Visando mostrar que o “choque do real” e as demandas realistas existentes em nossas mídias de hoje não ocorrem apenas em estéticas “pouplares” (favelas, pobreza e fome), farei um trabalho acerca da realidade exacerbada existente nas novelas de Manoel Carlos (globo), utilizando vozes polifônicas que reproduzem um estilo de vida da zona Sul do Rio como um modo de vida ideal. O estudo se baseará nos pensamentos de Beatriz Jaguaribe (choque do real), Neal Gabler (vida, o filme) e outros pensamentos utilizados em sala para estudar as cenas escolhidas. Separei algumas cenas para serem debatidas, como a cena da personagem, em Laços de Família, que raspa a cabeça por causa da leucemia, que causou uma comoção social muito grande, e na cena em questão, não sabemos se é a atriz ou a personagem que chora, bem como a cena do tiroteio em que mata a personagem Fernanda, em Mulheres Apaixonadas, que nos dá uma catarse devido ao choque da cena e a passeata pela paz, que houve depois, misturando personagens e pessoas da vida real. Também falarei do “merchandising” social de suas outra tramas e dos diálogos totalmente cotidianos, tirando a carga de dramaticidade e colocando falas corriqueiras do nosso dia a dia, além dos dramas sociais existentes em nossa sociedade, que ele reproduz colocando pessoas não da classe baixa, mas da classe média urbana da zona sul do Rio de Janeiro.
Neste trabalho procurarei agregar os aprendizados de sala de aula, as conclusões de nossos debates, reflexões conseqüentes das leituras e experiências pessoais, a fim de bem elaborar um texto que possa abordar grande parte daquilo por nós já trabalhado. Optei por dividir este trabalho em dois capítulos, pois dois foram os temas escolhidos por mim para falar sobre. Apresento-lhes por aqui a proposta de elaboração e desenvolvimento destes:
Capítulo 1: A corrida para a Casa Branca, com uma parada no barbershop e um ajuste no photoshop.
Dando maior enfoque ao caso Obama vs. McCain, farei uma releitura das disputas presidenciais norte-americanas entre 1960 e 2008 que tiverem como fator influenciador a imagem dos candidatos, a fabricação de figuras políticas, a super-humanização dos mesmos, a estetização através dos recursos midiáticos, o debate como showtime etc.
Bibliografia base:
GABLER, Neal. Vida, o filme: Como o entretenimento conquistou a realidade
(capítulos 3 e 4). São Paulo: Companhia das Letras, 1999.
Jornal O Globo e Globo.com, série especial Eleições nos EUA.
Capítulo 2: Olhos arregalados, suspiros e arrepios.
Neste capítulo falarei sobre a já antiga prática de utilização do corpo humano como objeto de exposição. A começar pelo Necrotério de Paris do fim-de-século XIX, passando pelos museus de cera Madame Tussaud´s e Grévin, até a maior novidade no ramo, a exposição “Corpo Humano: Real e Fascinante” que está em exposição no Museu Histórico Nacional, no Rio de Janeiro.
Bibliografia base:
ECO, Umberto. Viagem na irrealidade cotidiana. Rio de Janeiro: Nova Fronteira, 1984
SCHWARTZ, Vanessa. “O espectador cinematográfico antes do aparato do cinema: o gosto pela realidade na Paris fim-de-século”. In: CHARNEY, Leo; SCHWARTZ, Vanessa (orgs). O cinema e a invençao da vida moderna. São Paulo: Cosac & Naify, 2004
Foi esta frase que me chamou a atenção e me fez escolher o documentário de Paulo Sacramento como objeto do trabalho final na disciplina Programas de Realidade. Depois de um curso ministrado para um grupo de detentos, o cineasta libera várias câmeras para que eles possam captar a realidade do Carandiru.
A invasão das câmeras na intimidade de cada canto do complexo penitenciário, o olho aberto das lentes em diversos ângulos da realidade crua e o improviso em se captar tudo sem um roteiro nas mãos.
Depois de ler um artigo sobre o filme pude constatar que aqueles 70 minutos poderiam estar em qualquer aula da disciplina. Li outras resenhas e comentários e resolvi locar o DVD. O filme é muito bom.
O filme começa com as cenas da implosão do Carandiru, que criam uma nuvem de poeira, de pó, de restos. Está é a única nuvem do filme.
". A câmera "imparcial" do documentarista só poderia ir até um certo ponto, assim como sua capacidade de se relacionar com aquele ambiente, em parte por motivos práticos, e em grande parte pelo excesso de clichês já criados no jornalismo e na ficção sobre a representação deste espaço. Ao passar a câmera para os detentos, Sacramento assume suas impossibilidades. "
O PRISIONEIRO DA GRADE DE FERRO (AUTOS-RETRATOS) O Prisioneiro da Grade de Ferro, Brasil, 2003. Direção e Roteiro: Paulo Sacramento. Fotografia: Aloysio Raulino.
A partir dos conceitos discutidos em sala, pretendo analisar esta propaganda da Dove, utilizando também estratégias percebidas em outros produtos como o filme "Santiago" que ao ser honesto busca ser mais real, comparáveis com a propaganda que mostra todo o processo para se chegar ao outdoor; no qual encontramos uma modelo que tem sua imagem manipulada e parece melhor do que a real, mais radiante, mais bonita. O uso do photoshop como ferramenta de manipulação também traz a tona a dúvida da veracidade das imagens. A marca em questão apresenta ainda outras propagandas que são vistas como diferenciadas porque valorizam a mulher real, que nem sempre se encaixa nos padrões estéticos de uma modelo. Este seria uma outra abordagem do real para a temática, trabalhando a busca da identificação de suas consumidoras.
Apresentação do tema para o trabalho final da disciplina Programação de Realidade.
Tema: O real como ingrediente principal de uma diversão aterrorizante.
As pupilas dilatam, os pêlos arrepiam, o coração dispara e a respira acelera. O estômago contrai, sentimos aquele “friozinho” na barriga que nos consome por momentos aparentemente eternos. Após tanta adrenalina e muito terror, essa tensão acaba e somos confortados por um imenso alívio.
O medo, sempre presente na sociedade, não é o mesmo. Com o tempo ele foi se transformando. E o que era assustador ontem, pode ter seu efeito questionado hoje. Numa mistura aterrorizante, que busca sempre amedrontar as pessoas, o ingrediente do real se torna o elemento principal para provocar esta sensação na atualidade.
Dos “trens fantasma” de antigos parques de diversão às “Noites do terror” do Playcenter é possível destacar a evolução da produção do medo. Com bonecos cada vez mais próximos de pessoas reais e de atores muito bem caricaturados, embarcamos num mundo macabro de deixar o cabelo em pé. Um lugar onde a fantasia e realidade se misturam.
Assim como a evolução tecnológica dos parques, que proporcionou uma maior veracidade daquilo mostrado, o cinema também se beneficiou da técnica para dar mais credibilidade ao seu produto. Efeitos especiais mais sofisticados são responsáveis por fazer o público gritar e tremer de medo. No entanto, não é só do choque visual, com cenas muita das vezes indigestas, que se faz terror nos filmes. A maldição é em muitos casos o responsável por elevar essas produções a categoria de assustador e sombrio.
Mais aterrorizantes que bonecos perfeitos ou historinhas de terror, são corpos reais destroçados. Apesar de mórbido, este é o atrativo de muitos filmes e principalmente de sites na internet. Analisando o mais famoso deles, o assustador.com, é possível ver o ápice da utilização do ingrediente “real”. Que além de imagens chocantes de acidentes, também traz fotos sobrenaturais, aterrorizando por completo os seus visitantes.
O presente trabalho se define por uma visão crítica ao realismo estético presentes nas novas mídias e nos meios de comunicação tradicionais, apoiados numa concepção de “realismo” como uma aproximação legítima da realidade apreendida.
Levando em conta que toda representação é um mecanismo de processamento e re-apresentação de uma realidade fragmentária e contraditória, compreendemos que o “realismo” nada mais é do que uma convenção de códigos agenciados a todo momento em que se tenciona obter autoridade e legitimidade sobre um dado tema a ser digerido por um público qualquer.
Apoiando-se no trabalho de Beatriz Jaguaribe sobre o “Efeito do Real”, obtido através dos tempos com o refinamento das estéticas realistas, chegamos à conclusão que estas estéticas nada mais são do que convenções que se naturalizaram (nos noticiários, nos romances e no cinema) na intenção de garantir ao público/espectador/leitor uma imersão no universo representado.
Num momento de crescente demanda pela “realidade”, este problema se explica em parte quando observamos ser esta uma característica comum às sociedades da Modernidade tardia, onde está presente uma supervalorização do imaginário cultural que aliado à intensas transformaçõesao longo do séc. XX, tem agenciado a vida cotidiana e o imaginário coletivo ao apelo capitalista pelo chocante, pelo efêmero e pelo novo,ocasionando um espetacularização da sociedade já anunciada por Guy Debord em sua “Sociedade do Espetáculo”.
A intenção de representar o mundo material de forma mais fiel possível, traz consigo o ideal de mimese como meio mais fiel de representação da realidade, baseada num processo de assimilação por semelhança. Este ideal contraria que para se atingir esta ilusão mimética obedece-se aos mais diversos códigos de verossimilhança que culturalmente engendrados (Jaguaribe). Segundo Terry Eagleton: “Realismo artítico, portanto, não pode significar ‘representar o mundo tal qual é, mas sim representá-lo d acordo com as convenções de representação do mundo-real.
O ideal máximo de verossimilhança que mascara seu processo de representação é encontrado no cinema desde sua origem na formulação de uma linguagem ilusionista (clássico-narrativa) que se autoriza a encobrir todos os vestígios de articulação narrativa. Citando Frus, realismo “não é o que nos dá uma documentação factual ou completa mas o que produz uma ilusão de mundo que reconhecemos como real.”
O artigo de Ilana Feldman trata do intenso apelo perseguido pelas obras audivisuais contemporâneas. De modo que, o uso irrestrito dos códigos realistas fez desaparecer aos olhos do espectador médio o condicionamento inerente à adoção deste realismo como código e linguagem.
Indo mais fundo, a autora associa a banalização destas práticas no cinema, na tv e na internet e "as implicaçõesestéticas e políticasdessas práticasaudiovisuais, que, ao visarem sempreobliterar a distânciaentre a experiênciadireta e sua mediação, isto é, ao visarem simularumespetáculoquenãomais simule, sempreemnome da “vidareal” e da “realidade”, produzem conseqüênciaspolíticasnadainocentes, revelando-se estratégias biopolíticas(FOUCAULT, 1997) de legitimação, naturalização e desresponsabilização dessasnarrativas e imagens."
Currículo
Ilana Feldman é doutoranda no Programa de Pós-Graduação em Ciências da Comunicação da Universidade de São Paulo e mestre em Comunicação e Imagem pela Universidade Federal Fluminense, universidade pela qual se graduou em Cinema. É co-editora da publicação “Estéticas da Biopolítica - audiovisual, política e novas tecnologias”, redatora da revista eletrônica Cinética e colaboradora da revista eletrônica Trópico. Como realizadora, dirigiu com Cléber Eduardo o filme “Almas Passantes – um percurso com João do Rio e Charles Baudelaire”, premiado pelo Edital da Riofilme para curta-metragem, e, com Guilherme Coelho, o documentário “Se tu fores”, contemplado pelo prêmio Itaú Cultural para Novos Realizadores. Atualmente, prepara o curta-metragem “Rosa e Benjamin”, ganhador do Edital para a Co-produção de Curtas-metragens da Secretaria Municipal de Cultura de São Paulo.
O blog “Teoricamente” é uma ferramenta pedagógica ligada ao Projeto de Monitoria em Teorias da Comunicação para os Novos Gêneros Midiáticos, cujo objetivo é desenvolver possibilidades de adaptação das diversas Teorias da Comunicação e aplicá-las à compreensão dos novos gêneros midiáticos surgidos nos últimos anos. O projeto está entrando no seu 3º ano ligado à disciplina Introdução às Teorias da Comunicação ministrada pela professora Drª Paula Sibilia, do curso Estudos de Mídia da Universidade Federal Fluminense.
.jpg)
